«

Распечатать Запись

Творческая лаборатория художника Валентина Перевозчикова

Валентин ПеревозчиковСамобытный художник и скульптор Валентин Михайлович Перевозчиков родился 2 июля 1941 года в семье офицера и бухгалтера. Учился в Москве, Тбилиси, Костроме. В 1970-ом окончил факультет графики Костромского педагогического института. Тема его дипломной работы: оформление интерьеров и общественных зданий. Учителями Валентина были Олег Владимирович Громов, Евгений Иванович Онуфриев, Станислав Ксенофонтович Гусев, Коба Гурули, Ираклий Очиаури. Он работал с архитекторами Одеговым, Полеченьким, Шульрихтером. 

Валентин Михайлович трудился в системе художественных фондов Крыма и  Сочи. В Евпатории занимался монументальными рельефами, скульптурой, созданием интерьеров общественных зданий. За значительный вклад в художественное оформление города в 2012 году Валентину Михайловичу Перевозчикову присуждена городская премия имени С. Э. Дувана.

В творческом списке мастера – персональные выставки в разных городах крымского полуострова и за рубежом. Его работы хранятся в частных коллекциях России, Германии, Италии, Швейцарии, Израиля, США. Они наполнены жизнью, пробуждают фантазию и как бы перезагружают сознание и душу. В них неординарные сюжеты, интересные мазки, обилие ярких и приглушенных красок, изящность линий. 

Валентин Михайлович – художник-философ, обладающий тонким внутренним мироощущением, идейным багажом, пространственно-образным видением, хорошим эстетическим вкусом и непреодолимым желанием духовного самопознания. И сегодня мастер кисти приглашает заглянуть в его уникальную творческую лабораторию.

ЧАСТЬ ПЕРВАЯ. КОНЦЕПЦИЯ КАРТИНА-РАМА

Картина в сознании зрителя, как вспышка, оставляет след на многие годы. И здесь очень важна динамика цвета, его напряжение. Цветоведение уже давно существует как наука, и каждая работа художника наглядно иллюстрирует совершенные открытия в этой области знаний. Художники двадцатого века изобрели импрессионизм, и сегодня каждый автор понимает, что живопись развивается как наука. Чтобы ее двигать вперед, нужно постоянно экспериментировать, открывать новое, запуская исправную работу механизма. Это заставляет Творцов не останавливаться на достигнутом, учиться, находить оригинальные композиционные и цветовые решения, овладевать все новыми и новыми приемами. 

В философии художника главное – познать жизнь, найти свою дорогу в творчестве и открыть его для других. Этому способствуют выставки, с  возможностью рассказать всем что ты умеешь, чего достиг. Всегда радуешься за коллег-товарищей, сумевших найти что-то свежее, самобытное. Радует любое маленькое открытие: внутри ежесекундно рождается неизведанное, чтобы затем стать грунтом, почвой для произрастания чего-то совершенного. Мы лишь часть мира, постоянно стремящегося к новым высотам. Нам сложно вспоминать прошлое и еще сложнее осмыслить будущее. Находишься в постоянном поиске: каково же мое сегодняшнее предназначение, как творца, как выразить его в многогранном мире, не повторяя никого? Смогут ли это увидеть и по достоинству оценить потомки? Думаю, на этот вопрос не ответит никто. Просто надо быть честным, всей душой любить дело, которому себя посвятил. И, что немаловажно, быть благодарным судьбе и своим близким за чуткость, понимание и поддержку. 

В основе моего творчества – создание индивидуального взгляда на концепцию картина-рама. Величайшие образцы вдохновения поражают нас тем, как посажена вещь в картинную плоскость: не сдвинуть ни вправо ни влево; как блестяще все решено колористически, какая великолепная звучит музыка, воспринять которую может лишь посвященный. Уверен, задержать зрителя у картины помогают детали и какие-то подробности. Художник как бы говорит: «не спешите, посмотрите, как это интересно!» И зритель останавливается, внимательно рассматривая раму, дополняющую произведение. Именно рама наполняет творение новым смыслом: и рельефом, и цветом, выводит за плоскость холста и активно работает с пространством. Рама усиливает линейную перспективу, переходя в игру с предметом. Все это затрагивает внутренний мир зрителя, вызывая отклики в струнах его души в виде простодушной улыбки, детскости, сентиментальности, гуманизма. 

Одним из главных концептов – нестандартные размеры вибрации цвета среды, то есть внедрение данной геометрии в изображение. Возьмем, к примеру, комнату размером 2х3 метра и высотой 4. Поместим в нее холст 0,5х3 метра. Получается вертикальный прямоугольник. Из-за того, что комната мала, а изображение уходит вверх, трудно охватить взглядом весь холст. В результате эксперимента достигается то, что зритель почувствует себя маленьким. На холсте изобразим пустоту, разрезаемую сферическим светом в виде человекоподобной безликой фигуры. Это необходимо изобразить так, чтобы свет вибрировал и особо чуткие даже могли услышать звук разрываемого пергамента или ощутить запах ладана. Также можно с помощью цифровых технологий так подобрать контраст изображения, чтобы добиться более интенсивных вибраций. Что-то подобное, но разумеется, иное я видел у Сальвадора Дали в «Исчезающих образах». 

Рамки и рамы… Их можно оформить так, что даже без полотна они будут являться произведениями искусства и мы сможем, судя по раме догадаться о тематике данной картины. В раме находятся ниши, в которых расположены фигуры, изготовленные из различных материалов: стекло, бронза, цельное дерево и т. д. в соответствии с тематикой. Рамы могут быть абсолютно разных геометрических и просто аморфных форм и выполнены из разных материалов (ткань, стекло, витраж, камень). Трубчатые конструкции (видсот), кожа, пластик. Умело сочетаемые материалы – розовый мрамор с вкраплениями малахита и наползающая деревянная резьба сверху и изнутри рамы. 

Изображение часто переходит в раму, но может переходить и в скульптуру.

Возможно деление изображения на прямоугольники, квадраты и т.д. Главное это форма и дистанции (расстояния). Давно известны рамы в виде октоторпа, но развивая тему дальше, эти конструкции предполагают выступающие «налепы» и резьбу в глубину, имитирующую перспективу. Рамы из «тор» различных форм и размеров могут быть очень интересны, если их залить жидкостями разных цветов и различной плотности. Возможно флюорисцентными веществами. Рамы-сосуды в сечении могут быть многогранными и иметь специальную подсветку. В рамах из водосточных желобов крепятся горшочки с карликовыми растениями (бансай). Сзади устанавливают емкости, от которых к горшочкам отходят трубочки. Поллитра воды хватает питать растения в течение трех месяцев.

Отдельно можно отметить рельефность рам. Если полотно посвящено войне, то из рамы будут выступать фигуры воинов по 10-15 см, разрушенные сооружения, обезглавленные памятники и другое. Материал – дерево, металл, гипс, как было уже сказано, изображение, переходящее в раму. Возможно и обратное, рама  сюжетная, а холст – интерпретированная «оправа». Устроив чехарду из материалов, изобразительной и скульптурной геометрии, пластики и цветовых гамм, можно стать в авангарде рождения нового стиля, который сам будет диктовать правила на рынке.

Изобразительными материалами выступают не только кость и медь. Данный синтез наглядно показывает, как грация пластики переходит в ломаную геометрию, постепенно растворяясь в почкообразном импрессионизме. Переход этот при желании осуществляется путем света и фокусировки центральных объектов.

Возьмем определенные сюжеты: карнавал или горы – это хорошо, но карнавал в горах или под водой – просто великолепно! Представьте, ствол дерева может переходить в кораллы, а сухопутные рептилии в глубоководных рыб.

Беря, к примеру, подобно Гауди, природную структурность материалов и экономя время на эксперименты подбираем цвета на компьютере, грамотно занимаясь  промоушеном, получаем новый трендовый образ. 

Теперь о холсте. Рисуем картину и на краях крепим заклепки с отверстиями как на обуви. Пропускаем через них веревки и нити разной толщины, цвета и плетения с узором или без, нанизываем различные предметы как бусы. Этот прием можно использовать для крепления хижины или статуэтки. Рама будет глубокой, а сзади нее располагается ДСП, на которую крепятся штифты, через заклепки. Например, изображаем сад: бронзовое дерево с яблоками из фионита, которые не соединены с ветвями.

Отдельно скажу об изготовлении краски вручную. Чтобы достичь желаемого эффекта нужно прочитать специальную литературу, в результате получите новое качество цвета, новые оттенки, на которые будет приятно смотреть, ведь один коричневый может иметь сотню градаций. Успешным примером является ультрамарин. Со временем масляные краски твердеют как кость, а грунты покрываются кракелюрами (трещинами). Современные грунты, высыхая более подвержены этому процессу, создавая эффект старого полотна. Если увлажненный холст придавить сферическими материалами, к примеру, шарами, то при высыхании получатся своеобразные холмы-выступы. Интересный эффект дают шестеренки. Если от образовавшихся в результате этой техники структур протянуть нити, то по ним можно писать, мазать, чертить что угодно.

Относиться к абстракционизму можно по-разному, но людям свойственно удивляться, новое всегда интересно! Если работу строить на игре света и тени и сделать дистанцию полутонов, то из пустоты появятся искривленные плоскости, которые будут надвигаться на нас своими объемами и неохватностью.

Сейчас в моде скульптурная живопись на холсте. Подготавливаем муляж типа папье-маше. По нему кладем рельефные пасты, чтобы будущая живопись вздымалась волнами. С помощью нагретой иглы проделываем отверстия и пропускаем через них нити. На нитях миниатюрное белье, тельняшки, ботинки… Можно по теме крепить любые предметы. Часть стены с лестницей и бельем, окна, лодки, весла, бочки… бусы, ракушки. Трехмерное изображение пространства достигается путем натурализации первого плана (можно впасть в бутафорию).

Круглый подрамник, круглое на круглом, сферические изображения, как символ идеальной Вселенной, как пример «Вселенской геометрии». Если концы игл обмакивать в расплавленное стекло, то получим цветные шарики, которые при умелой подсветке дадут «плавающее» изображение, ощущение воздушности. Сегодня также используют капрон, натянутый многократно и расписанный акрилом, что создает иллюзию глубинного пространства.

Для экзальтированной части публики всегда важна стоимость картины. Живопись можно расшить серебром и золотом. Бриллианты на этом фоне будут выглядеть звездами, а парча или синий бархат неожиданно переходить в холст. Камушки хорошо использовать в виде фонариков на теплоходе или чешуи рыбы, особого значения это не имеет. Главное сколько карат в картине.

И все же один из основных аспектов в мировоззрении художника: разум и мысли – враги? Похоже, они не дружат только тогда, когда обыденное (суетливые мысли) мешают решать главные задачи, более значимые и масштабные. Немаловажно в создании творения и выбор надежного проводника. Так, если основа под живопись не холст, то это уже бутафория. Знаменитый швейцарский художник и скульптор Жан Тэнгли свои первые мобили гнул из проволоки, припаивал спицы и делал что-то типа шестеренок, цепляющихся друг за друга выступами. Получилась «ротоцаца». Или «цаца», похожая на ротор. Многие люди за всю свою жизнь и на заводе то ни разу не побывали, кроме того старые предприятия с их колесами, лемехами и приводами совершенно не похожи на современные. Закончился век индустриальный и начался век информатики. И как память об ушедшем – музей Тэнгли. В нем на суд зрителей представлены уникальные экспонаты кинетического искусства, плоды сорокалетней деятельности мастера, созданные из различных промышленных элементов и всевозможных бытовых предметов. Старые, отжившие свой век трубы, металлические пластины и диски, ржавые котелки, велосипедные спицы автор волшебным образом превратил в невообразимые скульптуры. Одни из них приводятся в движение с помощью различных рычагов, колес, шестеренок и моторчиков, меняя формы и тем самым образуя невероятные абстрактные картины, другие, совершая метаморфозы, саморазрушаются.

Своими «метамеханическими» скульптурами автор хотел донести посыл о тонкой грани между стремительной механизацией человечества и одушевлением машин.

Наше время рождает современных мастеров кисти с нестандартным мышлением и новыми подходами к творчеству. Конец ХХ начала XXI веков открыл эпоху компьютерных технологий. Виртуальное искусство стало изменять форму, лишаться своей классической определенности. Бесформенность виртуального артефакта выявляет также существенные трансформации эстетического восприятия. В центре внимания художников оказывается именно восприятие, а не артефакт, процесс, а не результат сотворчества. 

Если заниматься лишь сферами разных размеров, можно создать композиции в самых разных цветовых гаммах. Сложнейшая задача. Но здесь есть границы возможного. То что под силу кинематографу и компьютеру совершенно невозможно для живописи. Игра с пространством это уже дизайн, конструктивизм. Здесь другие инструменты, масштабы и приёмы.

Для того, чтобы слить воедино фантазию и реальность, необходимо, к примеру, смонтировать народные гуляния, наиболее пестрые и в неожиданных ракурсах с изображениями карнавалов на картинах. Какая же это получится мощь – веселье, народные гуляния, облеченные в форму феерии праздника. Плюс ко всему, данное творение как единое целое прекрасно дополнит концепция картина-рама. Что наглядно покажет индивидуальный творческий почерк автора, основанный на выборе используемых им эффектов.

ЧАСТЬ ВТОРАЯ. ЭЗОТЕРИЧЕСКАЯ СОСТАВЛЯЮЩАЯ ТВОРЧЕСТВА

Эзотерика – это знания, накопленные множеством веков, это духовное развитие и самопознание своей божественной сути и полное отречение от материального мира. Жизнь всегда можно сделать лучше с помощью силы сознания. Эзотерика изучает духовный мир человека и энергетические потоки. Мысль работает на тонком плане, равно как и деяние на физическом. Все учения о природе мира человека – это обязанности следить за своими мыслями; совокупность знаний и сведений недоступных непосвященным людям, не знающих особых способов восприятия реальности. «Эзотерикус» с греческого означает внутренний. Как писал Максимилиан Волошин:

Все видеть, все понять, все знать, все пережить.

Все формы, все цвета вобрать в себя глазами.

Пройти по всей земле горящими ступнями

Все воспринять и снова воплотить.

Искусство обладает удивительной способностью пробуждать в людях любовь, чувство единства и гармонии природы, помогает человеку видеть, чувствовать и воспринимать информационно-энергетические потоки из тонкого мира. Читать и понимать его знаки и символы. Цель творчества художника, его фундаментальная потребность – это самовыражение, постижение своего духа. Истинное творчество начинается там, где художник стремится найти свой особый, наиболее адекватный язык. Собственный стиль есть минимальное условие творчества и приходит именно тогда, когда сознание, мысленный взор художника в процессе обдумывания будущего произведения получает доступ к некой области тонкого мира. Независимо от того, пишется ли картина или музыка, или обдумывается план будущего романа. Именно тогда создается законченное произведение, обладающее внутренней гармонией, свободное от штампов творение. Это полный синтез образа и индивидуальности автора. Символы языка искусства имеют большую энергетическую и эмоциональную нагрузку. В реалистическом искусстве язык цвета и форм становится настолько гибким, что способен передать энергоинформационный поток, который исходит от натуры. На определенном уровне автор начинает видеть энергетику пространственных структур, моделирует ощущаемый реальный поток от изображаемых предметов. В любом изображаемом объекте открывает секрет синтеза композиций пространственных форм.

Такое произведение содержит целый мир, которому становится тесно в рамках картины, и он выплескивается за пределы холста, взаимодействуя с окружающим пространством. Природа эзотерики в изобразительном искусстве спонтанна и индивидуальна. Главным здесь становится присутствие мощного энергетического импульса, оказывающего благотворное влияние на различные органы физического тела человека. И замечательно, когда люди обретают душевное равновесие, полностью погружаясь в изображаемое, и реально ощущая всю цветовую вибрацию, которая гармонизирует психоэмоциональную сферу.

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Вы можете использовать эти теги HTML: <a href="" title=""> <abbr title=""> <acronym title=""> <b> <blockquote cite=""> <cite> <code> <del datetime=""> <em> <i> <q cite=""> <s> <strike> <strong>